첫 수업은 미술의 개념과 기준에 관한 강의였다. 전승보 강사는 이제 공예, 도예가 모두 예술로 간주되듯이 미술은 언제나 달라지는 개념이라고 설명했다. 즉, 우리는 미술을 ‘확장’의 개념으로 바라봐야 한다는 것이다. 프란시스 베이컨, 고야, 데미안 허스트, 채프먼 형제의 작품들처럼 비윤리적인 내용의 추하고 불쾌한 작품도 예술인 이유 또한 이 맥락으로 이해된다는 것이다. 이와 더불어 미의 기준이란 감상자에 따라 다르기 때문에, 보편적으로 아름답다고 여겨지는 표현방식과 대상만이 아름다운 건 아니라는 점도 짚어보았다. 어떠한 정보나 지식 없이도 아름다움을 판단할 수 있다고 주장한 칸트 미학과 함께 미적 판단은 정치나 경제, 어떠한 요소와도 관계없는 자율적인 판단이라는 점을 배우면서 현대미술의 확장성 또한 이해할 수 있었던 시간이었다.

두 번째 시간에는 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg, 1909~1994)가 주장한 ‘회화의 평면성’, 마이클 프리드가 주장한 ‘연극과 사물성’에 대해 살펴보았다. 그린버그는 지금껏 모든 회화들은 ‘문학의 종’이었다고 주장했다. 역사적으로 그림이란 문학과 성경과 이야기들을 전달하기 위해 존재했다는 것이다. 이는 2차원적 평면성이라는 회화의 본질을 거스르는 것이며 이제 회화는 그 본질을 추구해야 한다는 게 그의 주장이다. 그는 이를 가장 잘 실천한 회화로 잭슨 폴락의 추상표현주의와 마크 로스코의 색면추상을 꼽았다. 반면 마이클 프리드(Michael Fried, 1939~)는 『예술과 사물성』에서 회화에서 모든 요소들이 다 빠지고 오로지 평면성만 남은 것이 회화라면 결국 미술관에 걸렸느냐 안 걸렸느냐는 차이가 예술인지 아닌지를 판가름하는 유일한 요소라고 말한다. 즉, 미술관이라는 특정한 연극 무대가 있어야 회화의 예술성이 인정받는다는 말인데 그렇다면 결국 연극성에 회화가 의존하는 것이 아니냐는 게 그의 입장이었다. 이 두 이론을 통해 이제 현대미술은 실체를 모방하는 것이 긍정적이냐 부정적이냐는 모방론만으로는 설명하기 어렵다는 것을 알 수 있었다.

세 번째 강의에서는 문화와 역사가 작품 이해에 얼마나 중요한지에 대한 강의가 진행되었다. 강사는 그 사례로 원시주의를 들며 큐비즘이 아프리카 조각에 영향을 받았다고 하는 일반적인 해석은 형식에만 치우친 해석이라고 설명했다. 이는 아프리카 미술 기저에 깔린 문화나 역사에 대한 어떠한 이해도 없이 오로지 형식적인 측면에만 이해되는 것이며, 따라서 유럽중심의 에고이즘을 보여주는 대표적인 예라는 것이다. 원시주의 외에도 이제껏 억압받았던 소수자의 문화가 예술로 승화되면서 현대미술은 보다 다양해지고 복잡해졌다. 이와 더불어 산업화와 대량생산으로 인한 대중문화가 등장하면서 미술관은 새로운 국면을 맞이하게 된다.